THREADS OF GOLD

Tim Bengel nutzt Gold in seinen Arbeiten, um die Werke mit kultureller und symbolischer Bedeutung aufzuladen. Für ihn ist Gold nicht nur ein Material, sondern ein Träger von Reichtum, Macht und Wert, der historische Assoziationen aufgreift und gleichzeitig aktuelle gesellschaftliche Phänomene kommentiert. Durch den gezielten Einsatz von Gold schafft Bengel Kontraste zwischen Vergänglichkeit und Dauerhaftigkeit, zwischen Alltäglichem und Luxus, und lädt den Betrachter ein, über Konsum, Status und den Zeitgeist nachzudenken.

Clément Claudius, der Umweltbiologie und Kunst verbindet, setzt Gold als wirkungsvolles Medium ein, um Themen wie Verlust, Wert und Vergänglichkeit zu hinterfragen.

Er überzieht einen echten Schmetterling mit Blattgold, bevor er ihn in Flammen aufgehen lässt – ein schockierender „teurer Verlust“, der den irreversiblen ökologischen Schaden des Klimawandels symbolisiert. Dieses fotografisch dokumentierte Vorgehen verwandelt den Akt in ein permanentes Mahnmal.

Umgekehrt nutzt seine Serie „Golden Ride“ Gold-Sprühfarbe, um ausrangierte Motorroller von der Straße aufzuwerten. Diese performative Verwandlung macht aus urbanem Müll temporäre, faszinierende Skulpturen, was eine öffentliche Neubewertung von Abfall und der Flüchtigkeit von Wert erzwingt. Gold fungiert als eine brillante, täuschende Oberfläche, die den Blick auf Dinge lenkt, die wir übersehen oder zerstören.

Die Arbeit von Jahna Dahms behandelt industrielle Verpackungen als archäologische Artefakte der Gegenwart.

Die Künstlerin sammelt und rekontextualisiert diese allgegenwärtigen Formen, deren Gestalt vollkommen unverändert bewahrt wird. Dieser Ansatz enthüllt ihre formale Verwandtschaft mit antiken goldenen Objekten und verortet sie in einem kunsthistorischen Rahmen.

Die ästhetische Operation konzentriert sich auf die Vergoldung. Jedes Stück wird durch eine akribische Ölvergoldungstechnik mit 24-karätigem Blattgold transformiert, wodurch eine geschlossene, nahtlose Oberfläche entsteht.

Das Gold ist eine bewusste Wahl: Es stellt eine Verbindung zu historischen Traditionen her und macht die Kontinuität der Form über Epochen hinweg lesbar. Indem Dahms den Abfall des Massenkonsums mit einem Material von bleibendem Wert aufwertet, erzwingt sie eine Neubewertung der wesentlichen Strukturen, die unsere Konsumkultur definieren.

In ihrem Projekt ‚My Bohemia‘ setzt sich Renata Kudlacek persönlich mit den Themen Identität, Erinnerung und Heimat auseinander. In vielschichtigen Collagen verwebt sie ikonische Merkmale und die reiche Geschichte Prags mit ihrer persönlichen Mythologie und familiären Archiven.

In seiner jüngsten Entwicklung schlägt das Projekt eine Brücke von der Geburtsstadt Renata Kudlaceks, Prag, zu ihrem neuen Lebens- und Inspirationsort Berlin. Ein zentrales Element, das diese beiden Welten verbindet und diese Phase definiert, ist Gold.

Die Verwendung von Gold ist eine direkte Hommage an den Beinamen Prags als ‚Goldene Stadt‘ (Zlaté město). Es erinnert an die vergoldeten Türme der Prager Burg und fängt den warmen, goldenen Schimmer des Sandsteins ein, der die Stadt bei Sonnenuntergang erleuchtet. Doch in den Arbeiten von Renata Kudlacek geht die Symbolik des Goldes weit darüber hinaus. Es ist der leuchtende Faden, der Vergangenheit und Gegenwart miteinander verbindet und den unvergänglichen Wert der Heimat symbolisiert – jener Wurzeln, die auch aus der Ferne nicht verblassen.

Gold heiligt die Fragmente ihrer Geschichte, indem es den Erinnerungen den Status kostbarer Relikte verleiht. Gleichzeitig wirkt es als alchemistisches Element der Verwandlung: die Verschmelzung der goldenen Erinnerungen an Prag mit der pulsierenden Energie Berlins zu einer neuen, eigenen Identität. So wird ‚My Bohemia‘ zu einer visuellen Erzählung der künstlerischen Reise – eine persönliche Mythologie, geschaffen aus den leuchtenden Fragmenten zweier Städte.

Luca Ortis nutzt in seiner Arbeit Gold als verbindendes Element, um zwei separate Drucke miteinander zu vereinen. Diese Technik erinnert an das japanische Kunsthandwerk des Kintsugi, bei dem zerbrochene Keramik mit Gold repariert wird, wodurch die Brüche nicht kaschiert, sondern hervorgehoben werden.

Diese Praxis vermittelt die Philosophie, dass Schönheit in der Unvollkommenheit und im Prozess der Heilung liegt. Diese Technik schafft nicht nur eine visuelle Einheit, sondern symbolisiert auch die Verschmelzung von Erinnerung und Vorstellungskraft.

Das Gold fungiert dabei als Brücke zwischen der physischen Welt der Drucke und der immateriellen Welt der Gedanken und Emotionen.

Nicolas Vionnet verwendet Gold nicht als Symbol bloßer Opulenz, sondern als aufgeladenes, wandelbares Material, das seine kulturelle Geschichte nutzt, um über Fragilität, Verletzlichkeit und die Spannung zwischen dem Heiligen und dem Profanen zu reflektieren. In seinem Werk fungiert Gold konsequent als Katalysator für Ironie – es zwingt zur Auseinandersetzung zwischen den uralten Bedeutungen von Beständigkeit und Göttlichkeit und seiner heutigen Realität als vergängliches, verzerrtes oder subvertiertes Medium.

Vionnet nutzt die kulturelle Bedeutung des Materials, um in seinen Arbeiten zentrale zeitgenössische Spannungen sichtbar zu machen. In Changeover unterläuft er mit der Wahl einer goldfarbenen Rettungsdecke den wirtschaftlichen Prestigewert des Materials und verwandelt die Farbe des Reichtums in ein Symbol äußerster menschlicher Verletzlichkeit – des unterkühlten Flüchtlings – und kontrastiert so die vermeintliche Beständigkeit des Goldes mit der flüchtigen Lebensgefahr des Meeres.

Ähnlich verfährt er in Holy Water: Das religiöse Gold eines monumentalen Kruzifixes erhebt das Sakrale, nur um es zugleich durch die profane Realität eines tropfenden Wasserhahns zu unterlaufen – eine bittere Satire auf menschliches Altern und Inkontinenz. Die goldene Oberfläche lenkt so die Aufmerksamkeit noch stärker auf die letztlich unwürdige Verletzlichkeit des Körpers.